Così la tragicommedia ha inizio. Perché di tragicommedia si tratta, in effetti. Basta pensare all’incidente automobilistico grazie a cui Bella rinasce a nuova vita professionale, un miscuglio fra pochade surrealista e tragedia personale, con l’aggiunta della ambigua perfidia che trascolora da sempre i film di Corsicato; da quell’avvenimento nasce infatti l’idea di Renè e della moglie per una truffa colossale: i media vengono a sapere che il viso della attraente conduttrice è sfigurato e che sarà proprio il marito a ricostruirle un volto nuovo in diretta televisiva nella sua clinica, e lo spettatore viene introdotto nel prestigioso tempio dell’estetica dove donne e uomini, tutti fasciati in diverse parti del corpo, si aggirano in vestaglia nei corridoi dell’edificio confrontandosi sull’esito delle operazioni e su quanti anni ora dimostrano in meno, anche se magari non riescono più a pronunciare la s e la a, tanto la pelle è stata tirata. Uno spettacolo squallido, ma anche in questo caso trattato con decisa ironia. Idem avviene per quell’ibrido fra campeggio, fiera e reality che mettono in piedi i fans di Bella, accampati all’esterno della clinica.

Il volto di un’altra è nelle intenzioni del regista “una commedia spiritosa, brillante e ironica sul contemporaneo” in cui si vuole sottolineare che tutti (dalla celebre coppia ai sedicenti fans accampati) portano una maschera, recitano dei ruoli. L’apparenza, il circo mediatico, la non accettazione del sé che invecchia: tutto questo viene messo in campo nel film. È la società dell’involucro esterno, senza alcuna attenzione per una qualche sorta di profondità psicologica o esistenziale. Lo sguardo di Corsicato (aiutato dai corpi bellissimi, eleganti ma non banali di Laura Chiatti e Alessandro Preziosi) riesce però a non essere moralistico, e osserva con una certa pietà mista a cinico disgusto e sapido divertissement l’affanno esteriore dei suoi personaggi, dissacrandone la realtà in cui vivono, dibattendosi come pesci in un acquario. Resta forte, nonostante tutto, un profondo senso di tristezza: siamo anche noi come loro? Ci stiamo arrivando? E cosa possiamo fare per fermarci in tempo?

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Naturalmente, trattandosi di Almodòvar, non ci si può aspettare una rassegna di umanità per così dire “normale”. Tra i passeggeri della business spiccano una sensitiva molto quotata, dispiaciuta solo di essere ancora vergine, perché gli uomini si spaventano; una prostituta di alto bordo e ora, non più esattamente in età, organizzatrice di incontri di grandi uomini con sue “dipendenti”; un uomo non facilmente classificabile che si rivela un killer professionista (che però ha una sua etica: non ammazza le donne); un dongiovanni seriale che ha lasciato a terra una donna fragile sull’orlo del suicidio e un’altra giovane che lo ritiene la quintessenza dell’inaffidabilità.
La fanno comunque da padroni gli assistenti di volo, tre gay che, per combattere l’incertezza della sorte, propria e dei passeggeri, non esitano a mescolare alcool e droga per tenersi su e dimenticare. Per sdrammatizzare la situazione emerge come argomento principale il sesso, qualcosa di cui si parla senza remore e con estremo interesse, muovendosi fra omosessualità, bisessualità, promiscuità. Non manca nemmeno la musica, pop e accompagnata da uno spassoso balletto coreografato dei tre assistenti. In sostanza le paure si sublimano in aspetti vitali e gioiosi, finchè la situazione si sblocca e si intravede finalmente una risoluzione dell’avventura.
Gli amanti passeggeri è un film divertente, piacevole e senza drammi, che fa riaffiorare il ricordo delle prime commedie di Almodòvar. Nella sua visione gli amanti sono sempre passeggeri, e in questo caso sono anche i passeggeri di un aereo, lontani dal mondo reale, dalla terra. In una situazione estrema, perchè c’è anche un rischio di morte, il regista fa emergere gli aspetti più vivaci della personalità umana: la nevrosi, la logorrea, il sesso menzionato, analizzato e praticato senza pudori, l’ironia , il ballo. Si può supporre che per Almodòvar questi possano essere anche, in parte, gli antidoti alla crisi, reale e terrena, che ha toccato anche il suo Paese

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Da cosa prende spunto il soggetto del film?

Ravello: il personaggio di Agostino esiste veramente; una volta mi telefonò dicendo che gli avevano occupato la casa. La realtà che mi ha descritto mi ha molto colpito e sono finalmente riuscita a trasporla in un film. Alcuni attori erano già miei amici e sono state scelte “automatiche”. Per il resto il cast è stato scelto per la qualità; abbiamo fatto molti provini. Tra queste scelte c’è stato Nonno Rocco (Stefano Altieri), che è stato poi bravissimo.

Ravello, nel tuo film c’è sicuramente un dialogo con la commedia all’italiana ma anche elementi di neorealismo. Quali ritieni siano le tue influenze più importanti?

Ravello: sicuramente il mio maestro è stato Ettore Scola, con lui ho fatto i miei primi tre film e siamo diventati molto amici. Lui è stato anche il mio testimone di nozze. Ha letto la sceneggiatura ed è stato presente ai provini. Ho voluto mantenere un registro che fosse tra il realismo e la favola, come se si fosse sotto un tendone da circo.

Cosa avete portato delle vostra idea di famiglia nei personaggi?

Ravello: In Italia c’è un grosso attaccamento alla famiglia, che però in questa fase storica viene messa in condizione di essere sfaldata per circostanze esterne ed avverse difficili da gestire.

Smutniak: Sì, quando ci sono problemi gravi ogni persona viene messa davanti al proprio orgoglio, alla dignità. Tra l’altro è da notare che i due coniugi in questo film hanno entrambi un lavoro ma ugualmente si trovano a non avere una casa. Lo stato in questo frangente è latitante; si viene a creare una guerra fra italiani e italiani.

Il film mostra persone che faticano per avere una vita normale. Secondo voi serve faticare per poi ottenere qualcosa nella vita?

Giallini: Può servire, ma non è così scontato. Io ho avuto un’infanzia povera, era una spesa importante comprarmi le scarpe in famiglia. Ma per uscire da una condizione precaria bisogna trovare il modo di incanalare nel modo giusto la rabbia. E non è facile. Io ho amici che ancora hanno problemi economici e vite difficili.

Il film esce dai luoghi comuni: gli occupanti della casa di Agostino sono italiani, coloro che forniscono solidarietà e aiuto sono stranieri. Inoltre Agostino si indigna per l’incendio doloso nel campo dei Rom. Cosa avete voluto comunicare?

Ravello: In fondo siamo tutti uguali, indipendentemente dalla razza. Penso che bisogna incominciare a guardarsi negli occhi, non badare solo al proprio orticello e prendere atto della realtà che ci circonda, che è multietnica. Agostino nel film empatizza con gli zingari ma il nonno Rocco, della generazione precedente, è ancora razzista.

Ci sono state delle scene di improvvisazione o gag dietro le quinte?

Ravello: E’ stato lasciato spazio all’improvvisazione, e specialmente Giallini ne ha approfittato.

Giallini: Sì, mi sono molto divertito.

Smutniak: Diciamo che io ero molto preoccupata per l’interpretazione della scena di sesso in macchina con Rolando, e lui mi prendeva in giro dicendo che mi avrebbe baciato “veramente”; poi invece è stato divertente e meno imbarazzante di quanto pensassi.

Ravello: Sì, mi sono un po’ divertito a “terrorizzare” Kasia riguardo alla scena, ma poi è andato tutto bene.

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Tutti contro tutti parla di una guerra tra poveri, che si svolge in una periferia urbana costellata di palazzoni popolari in cui italiani poveri convivono con stranieri immigrati di varie etnie. I proprietari degli appartamenti spesso sono sconosciuti o sono stati espropriati dei loro beni da qualche delinquente. Di conseguenza Agostino e Anna hanno pagato l’affitto a un losco figuro non proprietario dell’immobile per anni e ora non hanno nessun diritto di riprendersi quella casa “di nessuno”. Cercando di restare uniti provano ad inventarsi una serie di escamotage per riavere la casa. Il cognato Sergio non li può ospitare a lungo, sono già in quattro in 30 metri quadrati. Così Agostino, con un entusiasmo quasi infantile, induce la famiglia ad occupare il pianerottolo di casa, sperando di spingere gli occupanti ad andarsene. Ma il piano sembra non funzionare e Anna e i figli progressivamente si sfiniscono, conducendo uno stile di vita così precario: il bambino non riesce più a scuola e Anna rischia di perdere il lavoro perché si addormenta. Di fronte a un problema così grave e apparentemente irrisolvibile la famiglia si sfalda.
Il tema trattato in questo film è coraggioso e probabilmente non conosciuto da molti. Anche in una città come Milano (e meno in periferia di quanto si possa pensare) esistono situazioni di questo tipo; case occupate, gente che dorme sui pianerottoli, appartamenti e cantine in stati di degrado che è difficile persino immaginare. E, come dice giustamente Smutniak intervistata, lo stato latita, fa finta di non vedere.
Il film di Ravello tuttavia vuole mantenere un tono tragicomico senza sconfinare nel dramma. Nelle sue intenzioni il racconto vuole avere dei toni addirittura favolistici e in effetti Tutti contro tutti non è un film greve, ma dotato di una certa levità, nonostante l’argomento. C’è amore in questo racconto e anche solidarietà fra italiani e immigrati, che sono più o meno nella stessa barca. Anche se non si può dar per scontata la fiducia nei confronti di nessuno, perché ognuno è in lotta per la propria sopravvivenza e alla fine si è davvero tutti contro tutti.
Consigliato.

Carteni: il look di Fabio Volo è stato pensato un po’ sullo stile degli anni Cinquanta/Sessanta, con vestiti stretti, baffi e occhiali da sole. Uno degli obiettivi era anche quello di allontanare il personaggio Andrea Campi il più possibile dal personaggio Fabio Volo.

Volo: Sì, ho dovuto sopportare i baffetti e i vestiti stretti, ma in effetti lo stile di Andrea Campi è molto diverso dal mio. Tuttavia ci sono dei punti di contatto tra il personaggio che interpreto e gente che mi è capitato di conoscere nella mia vita.

Carteni: Per quanto riguarda la colonna sonora, c’è stato un grosso investimento in questo campo perché molti brani fanno parte della musica di repertorio del grande cantante argentino Maxi Trusso, e sono risultati quindi molto costosi. La colonna sonora è uno dei punti forti del film perché le musiche sono volte a caratterizzare al meglio ambienti e situazioni.

Volo: Sì, non vedo l’ora che esca la colonna sonora, perché è veramente bellissima!

Come spieghereste la tematica del film?

Carteni: Il film è certamente contro un certo tipo di ambiente, peraltro non molto conosciuto.

Baccomo: Sì, non molti conoscono l’ambiente degli avvocati d’affari oppure pensano che sia molto cool mentre ci sono anche tanti aspetti negativi. Nel film comunque è anche più presente l’aspetto sentimentale rispetto al mio libro. Trovo che questo rappresenti un’evoluzione e sono molto soddisfatto del film.

Carteni, come vede la situazione attuale del cinema italiano?

Carteni: Il cinema italiano è un po’ in difficoltà ed è comunque un mercato piccolo. Sicuramente bisognerebbe limitare nei film italiani l’aspetto provinciale e rappresentativo sempre dei soliti problemi nostrani o familiari e dare invece ai film un respiro più internazionale. Penso con Studio Illegale di essermi messo su questa strada, lavorando specialmente su costumi, scenografia, fotografia.

Come è stato lavorare con un attore navigato come Ennio Fantastichini?

Carteni: Fantastichini è un bravissimo attore e un grande professionista. È stato un piacere lavorare con lui.

Cosa dire dell’aspetto sentimentale del film?

Carteni: sicuramente c’è un tradimento del romanticismo, è presente un occhio cinico sull’amore che diventa anch’esso una sorta di contrattazione tra concessione di sé e trattenimento dei sentimenti dato dall’abitudine alla non fiducia nell’altro.

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